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音楽

2011年2月15日 (火)

チャイコフスキー、ヒグドン「ヴァイオリン協奏曲」ヒラリー・ハーン、ヴァシリー・ペトレンコ指揮、ロイヤル・リヴァプール・フィル

301 ハーンがようやく去年チャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲のCDを出した。さすがはハーン、ソロ・ヴァイオリニストなら弾き飽きているだろうチャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲をひとひねりして演奏してみせた。

チャイコフスキーはもちろん濃厚にロマンティックな音楽だが、ハーンはそのロマンティシズムに自分が没入して一人称で語るのではなく、完全に相対化してみせたのだ。「ロマンティックな音楽を無邪気に演奏できた時代を懐かしむ」ロマンティシズムという、いわばメタ・ロマンティシズム(そんな言葉があるかどうか知らないが)だ。

それによって、19世紀から数え切れないほど演奏されてきたこの曲を、21世紀に生きる音楽家と聴衆がいまさら演奏し、聞くことの新たな意味を付け加えている。

ただし、その「メタ」を感じ取れない聴き手にとってはただのローキーな演奏に聞こえてしまうかもしれない。ハーンはいつものように完璧なテクニックで一音一音を正確に奏でる。テンポやダイナミクスを恣意的に動かすこともしない。しかし、その一音一音に意味をしっかりとこめて演奏しているのだが。

そういえばハーンのtwitterは、ヴァイオリン・ケースが語るという形式をとっている。ここにも一歩離れた所から物事を捉えることができるハーンの知性が反映しているのだろう。この人は賢いね。

なお、チャイコフスキーとカップリングされているヒグドンは、残念ながら後世に残る名曲だとは思えなかったが、fillerとしてはまあまあ悪くないのではないか。

Higdon & Tchaikovsky: Violin Concertos

Hilary Hahn, violin

Vasily Petrenko, conductor

Royal Liverpool Philharmonic Orchestra

Deutsche Grammophon    4778777

2010年11月28日 (日)

ガーシュウィン「ラプソディ・イン・ブルー、パリのアメリカ人」ジェイムズ・レヴァイン(ピアノ、指揮)シカゴ交響楽団

539イツ・グラモフォン(DG)の格安56枚組箱物「The Collector’s Edition 2」の1枚として聴いた。ガーシュウィンの母国アメリカの音楽家たちが演奏したこのアルバムがあることは昔から知っていたが、DGの黄色い額縁とガーシュウィンのイメージがマッチせず、単独のアルバムで購入するには至っていなかった(今ではDGはあの伝統ある黄色い額縁をやめ、カバーデザインの自由度が増しているので、ガーシュウィンに額縁をつけるようなことは今後はないだろう)。

ガーシュウィンの演奏に求められる生き生きとしたリズム感と自発性が、一流のクラシック演奏家の技術と表現力に裏付けられ、理想的なコンビネーションとなっている。もちろんジャズ演奏家のようなアドリブはないが、まじめな人が無理におどけているような危うさはなく、ジャズの語法を取り入れたクラシック音楽としての表現の完成度を追求し、成功している。

George Gershwin

Rhapsody in Blue, Cuban Oveture, Catfish Row – Suite from “Porgy and Bess”,  An American in Paris

Chicago Symphony Orchestra

James Levine, piano & conductor

Deutsche Grammophon  431 625-2

2010年8月31日 (火)

バッハ「教会カンタータ全集」(Pieter Jan Leusink, Holland Boys Choir, Netherlands Bach Collegium)

006 オランダBrilliant Classics社の155枚組バッハ全集(Bach Edition)は、9月にもリニューアルして版が新しくなるらしいが、当方は未聴の山を抱えていて、現行版全集のうち教会カンタータをようやく聴き終えたところだ。

 

Leusinkたちは、肩肘張ったところのない自然体でバッハの教会カンタータ全曲の演奏に臨んだように聞こえる。およそバッハ演奏家にとって、教会カンタータ全集の録音は一世一代にあるかどうかのきわめて貴重かつチャレンジングな機会だろう。あれこれ思い悩んでどこかぎこちない演奏になってしまったとしても一概に批判できないくらいの挑戦だ。それにも関わらず、のびのびとした雰囲気で演奏しているところは長所だ。

 

声楽独唱陣は、いずれもピリオド様式によくなじむ自然な声質が美しい。しかし、技術・表現力ではお世辞にも完璧とはいえない。合唱と管弦楽も音色の統一感に欠け、合奏能力も一流とはいえない。

 

全集にこそなっていないがガーディナー(DG)と鈴木雅明(BIS)の教会カンタータ集を持っている身としては、残念ながらLeusinkを再びプレーヤーに載せることはおそらくないだろう。

 

2010年7月17日 (土)

LIVING STEREO 60 CD COLLECTION

Rca60 米国RCAが開発した高音質ステレオ録音方式Living Stereo1950年代末~1960年代初頭に制作されたアルバムが60枚組の箱入りセットで発売された。

 

ミュンシュ指揮のボストン交響楽団、ライナー指揮のシカゴ交響楽団、ハイフェッツ(ヴァイオリン)、ルービンシュタイン(ピアノ)、ヴァン・クライバーン(ピアノ)など当時のアメリカを代表するスター演奏家たちが、バルトーク、リヒャルト・シュトラウス、ラヴェルなど、多彩なレパートリーを演奏している。曲目はいずれもクラシック愛好家なら馴染みのある名曲ぞろいだ。

 

60枚もあるのでまだ全部は聴いていないが、数枚チェックしたところでは、とても1950年代とは思えない迫力のある録音である。測定器で測ったわけではなく聴感によるあてずっぽうだが、周波数レンジそのものが当時の他社の録音に比べて著しく広いわけではなく、録音の仕方によるところが多いようだ。

 

ジャズの録音はクラシックにくらべてオンマイク(マイクを楽器に近づけて録る)であるために、古い録音でも演奏の迫力が十分伝わってくるものが多い。おそらくLiving Stereoの録音もオンマイクだったのではないか。

 

クラシックの録音では、間接音を重視してオフマイク(マイクを楽器から離して録る)が多用される。

 

しかし、間接音はまことに微妙なもので、多く入れすぎると風呂場の鼻歌のようになってしまい、音像はボケるし、迫力もなくなってしまう。また、間接音はハーモニックス(倍音)の成分が複雑に絡み合っているため、周波数レンジの広い録音機材で録音しないとせっかくの雰囲気も十分には捉えることができないようだ。もちろんマイクの設置場所なども重要だ。

 

Living Stereoは、ホールトーンはあまりなく、最前列で聞いているような直接音中心の音だ。デジタル録音と間違えるほど音が良いわけではないが、同じ頃の他社の録音と比べれば圧倒的に良いのは間違いない。DGEMIDeccaCBSなど他社もこのような録音をしていてくれれば、過去の録音の価値はもっと高かっただろうに。

 

ちなみにこのセットはSony Music Internationalが韓国で製造したものだが、箱・スリーブ・ブックレット・CDの表記はすべて英語だけだ。わずかに外箱の底にMade in Koreaと韓国ドメインのURLが記載されていることでこれが韓国製であることがわかる。

 

LIVING STEREO 60 CD COLLECTION

RCA RED SEAL / SONY MUSIC S70480C / 88697720602

2010年7月 5日 (月)

バッハ「マタイ受難曲」ヘレヴェッヘ指揮、コレギウム・ヴォカーレ・ヘント

293

ハルモニア・ムンディ(フランス)からヘレヴェッヘのバッハ演奏がCDブックという形式で廉価盤として再発売された。解説や歌詞対訳がCDサイズのハードカバーの本になっており、本の中に紙製のポケットが綴じこまれていてCDはそこに入っている。

 

受難曲のように歌詞が非常に重要な意味を持っている作品の場合、対訳は不可欠であるが、通常のジュエルボックスに入るように無理やり薄く作ったブックレットで読むのは不便だ。今回ハルモニア・ムンディがデザインしたハードカバーの本は、きちんと製本されており、紙質、文字の大きさやレイアウトも適切でとても読みやすい(ただし、ドイツ語、英語、フランス語のみ)。

 

ヘレヴェッヘはおそらく現在バッハ演奏の専門家として3本の指に入るだろう(ヘレヴェッヘ、ガーディナー、鈴木雅明)。1999年に発売されたこのマタイ受難曲の演奏はかねてから高く評価されていたようだが、評判に違わない素晴らしい演奏だ。ソリストたちも非常に充実している。特に、ソプラノのルーベンスの美声が印象に残った。

 

第1曲のコーラスはかなり早いテンポで畳み掛けるように始まり、例えばリヒターのような遅い演奏に慣れていると、戸惑うかもしれない。しかし、演奏が進むに連れてイエスをとりまくドラマに引き込まれていき、この早いテンポはちゃんと意味があったことが自然に納得させられるだろう。

 

ガーディナーの22枚組セットもおすすめだが、マタイ受難曲だけ買うならこのヘレヴェッヘもおすすめである。

 

 

Bach: Matthäus-Passion BWV244

Philippe Herreweghe

Collegium Vocale Gent

Evangelista | Ian Bostridge, ténor

Jesus | Franz-Josef Selig, basse

Uxor Pilati | Sibylla Rubens, soprano

Testis 1 | Andreas Scholl, alto

Testis 2 | Werner Güra, ténor

Pilatus | Dietrich Henschel, basse

Fritz Vanhulle (Judas, Pontifex 1)

Dominik Wörner (Petrus, Pontifex 2)

Elisabeth Hermans & Susan Hamilton (Ancilla 1 & 2)

Harmonia Mundi HML 5908376.78

2010年6月20日 (日)

バッハ「宗教曲・カンタータ名曲集」ガーディナー指揮

283

ガーディナーがアルヒーフに残したバッハ作品を22枚組にまとめて箱入りセットで発売したもの。マタイ受難曲、ヨハネ受難曲、ロ短調ミサ、クリスマス・オラトリオといった大作に、ガーディナーが手がけていたカンタータ全集のうちアルヒーフで録音した40曲が含まれている(残りのカンタータはSoli Deo Gloriaから発売)。

 

バッハの宗教曲というと、昔からカール・リヒターの演奏が定番とされていて、これを基準に他の演奏を評価する人が多いようだ。確かにリヒターの演奏は篤い信仰心を感じさせる真摯な演奏であり、名演であることは間違いない。しかし、後年のピリオド様式の演奏をいろいろと聞くにつれて、リヒターを標準に考える必要はないと感じるようになった。

 

ピリオド様式の演奏は、それ以前の演奏に比べるとテンポが速めで、合奏や合唱の編成は小さいがその中ではダイナミクスを大きくとるものが多い。いきいきとした躍動感が強調され、300年前に作られた音楽を、博物館の展示物としてではなく生きている音楽として演奏している。

 

ガーディナーのバッハは、オケと合唱がテクニック的に完璧で美しいことはもちろん、すべての音楽が自然な説得力を持った演奏だ。わざとらしい誇張はみじんもないが、ドラマはしっかりと感じられる。上品さは徹底しているが、感覚を楽しませる美しさがある。

 

同じピリオド様式の演奏で近年高い評価を確立している鈴木雅明&BCJは、ガーディナーに比べるとストイックだ。より清冽で響きの純度を高めている。その分、受け身の態度で聞いていると、美しい音だけしか聞こえないことになりかねない面がある。

 

バッハの宗教曲を初めて聞いてみようとする人にもおすすめできるセットだ。

 

Bach: Sacred Masterpieces | Cantatas

John Eliot Gardiner

The Monteverdi Choir

The English Baroque Soloists

Archiv 477 8735

2010年5月 1日 (土)

読売日本交響楽団 シルヴァン・カンブルラン 第9代常任指揮者 就任披露演奏会

2010年5月1日 サントリーホール

 

フランス出身のカンブルラン(難しい名前だ)が読響の常任指揮者に就任しての初仕事シリーズのうちの1回。バルトーク、モーツァルト、ストラヴィンスキーという意欲的なプログラムのお買い得感につられて聴きに行った。

 

バルトークは、読響から色彩豊かな響きを引き出そうとしてある程度成功していたと思うが、いかんせん曲が地味なため、デモンストレーションには不向きだったのではないだろうか。オケコン、弦チェレ、ヴァイオリン協奏曲など、バルトークには好きな曲も多いのだが、「二つの映像」はちょっと魅力がわかりにくい。玄人好みのプログラミングだろう。

 

この日一番の名演はモーツァルトの「ジュピター」だった。第1楽章の始めからテンポを動かしたりして個性を発揮したが、ちょっと作為的にも感じられてどうなることかと思った。しかし、読響の弦楽セクションから極めて透明で軽い音色を引き出し、天国的な明るさを表現していた。特に第4楽章は表情に富んでおり、モーツァルト晩年の堂々たる傑作の真価を十分に堪能させてもらった。聴衆もこの演奏で一気に盛り上がりをみせた。

 

「春の祭典」は、オケの各パートの音が埋没せず、くっきりと聞こえる明快さが特長。このあたりは師匠ブーレーズの流儀を受け継いているのかもしれない。読響はリズム感のある、ダイナミクスの大きい演奏で指揮に応え、大編成オケの生演奏を聴く醍醐味を味わうことができた。ただし、比較的静かな部分はやや一本調子のように感じられることがあった。

 

アンコールでは、ストラヴィンスキーの「サーカスポルカ」を切れ味のある演奏で好演した。この曲は初めて聞いたが、ポルカをキュビズム風のパロディにしたもので、最後の方にはなぜかシューベルトの軍隊行進曲まで引用されていて、面白かった。

 

バルトーク: 二つの映像 作品10

モーツァルト: 交響曲41番 K.551

ストラヴィンスキー: 春の祭典

シルヴァン・カンブルラン指揮

読売日本交響楽団

2010年4月 6日 (火)

バッハ「オルガン曲全集」ヴァルヒャ(オルガン)[Documents]

632 ヘルムート・ヴァルヒャ(1907-1991)がArchivに録音した旧全集(19471952年)をDocumentsが再発売したもの。Documentsというレーベルは著作権切れの録音を10枚組のセットにして安価に再発売している。CD10枚組で1000円なので、1枚あたり100円という計算になる。

 

著作権切れの音源はネットでダウンロードできるものも多いので、そういうのを探して自分でCDに焼けばいいようなものだが、やはりちゃんとしたジャケットに入っているものが欲しい。それに、ネット上の音源はMP3に不可逆圧縮されているので、生データで入っているCDより音質は落ちる。

 

このCDを聴いて感じたヴァルヒャの演奏の特長は、とにかく明快ということだ。バッハが楽譜に書き残した音楽の構造をできるだけわかりやすく音として表現しようとしているように感じる(ただし、ヴァルヒャは盲目だったので、楽譜そのものは見ていないわけだが)。ストップの設定により声部ごとの音色を大胆なほど変えて対位法的な構造が音ではっきりとわかるようにしている。また、恣意的な装飾音は廃して、旋律の流れを重視している。墨跡鮮やかな楷書のような演奏だ。

 

その結果、バッハのオルガン曲が、近寄りがたい巨大な構築物ではなく、構成感はしっかりと持ちながらもやさしく語りかけてくるような雰囲気すら感じさせる。

 

1950年前後のモノラル録音だが、なぜか非常に音質が良く聞こえる。ペダルトーンもはっきり聞こえる。オルガンという楽器の音色がナローレンジでも気にならない性質を持っているのか。また、器楽曲なのでモノラルであることも大きなハンディにはならないのだが、それにしても空間の広がりすら感じさせる録音である。

 

J. S. Bach: Orgelwerke / Organ Works

Helmut Walcha

Documents 223489

2010年4月 5日 (月)

初めてのクラシック音楽会

クラシックの音楽会に初めて行く時には、いろいろと不安があるだろう。一応、お作法のようなものはあるので、心得ていれば不必要に緊張することもない。これまでの経験からアドバイスをまとめた。(以下、「コンサート」「音楽会」「演奏会」は同じ意味で使っている。)

 

○服装-大昔なら正装していく習慣もあったかもしれないが、現代では特別なドレスコード(服装のきまり)はない。ジーンズでも問題ない。とはいえ、クラシックは保守的な音楽なので、極端に派手な格好は控えるのがマナーだろう。

【例外】ジルベスターコンサートやニューイヤーコンサートなど、特別なイベント的演奏会の場合は、ドレスアップしていくのがよい。

 

○持ち物-余計な物はできるだけ持っていかない。客席の周りには荷物をおける場所はないので、自分で身につけるか、膝の上か座席の下に置けるものだけにしよう。演奏中のせきやくしゃみを押さえるためにハンカチは必ず持って行こう。

 

○会場に着いたら-会場には遅くとも開演時刻の5分前には到着するように。演奏が始まってしまうと中に入れてもらえない。

会場の入口付近で演奏会の広告チラシを配っていることがあるので、興味があれば受け取る。ただし、演奏中にチラシを見たり、チラシの袋で音を立てたりしない。

チケットをもぎったところでプログラムをくれる場合もある。別に有料で販売している場合もある。初心者は、曲目や演奏家についての知識を得るために、プログラムはよく読んだ方がよいだろう。

コートや大きな荷物(やむを得ず持っていった場合)は、ロビー(ホワイエともいう)にあるクローク(荷物預かり所)に預ける。

演奏中に客席を立つのは、演奏者に失礼だし、周りの客に大々迷惑なので、トイレには必ず行っておこう。

 

○座席に着いたら-まず携帯電話のアラーム設定を解除し、電源を切る。万一これを忘れて演奏中に鳴ったりしようものなら末代までの恥である。他ジャンルの音楽会と同様、録音・撮影・録画は禁止だ。客席での飲食もだめ。

演奏中に必要なもの(プログラムとハンカチ程度)以外はカバンやポケットにしまっておく。

 

○演奏家が舞台に出てきたら-歓迎と演奏への期待を込めて拍手で迎えよう。ただし、演奏家が演奏態勢に入ったら拍手はすぐにやめる。

 

○演奏が始まったら-とにかく音を立てないようにして静かに聴く。隣の人と話をしたりしてはいけない。せきやくしゃみが出そうなときは、できるだけがまんするが、どうしても出てしまうときはハンカチで鼻と口を押さえる。居眠りをしてもいいが、いびきをかかないこと。

音楽にノッた場合、音を立てなければ多少は体を動かしてもよいが、ロック、ポップ、ジャズのように大きく体を動かしたり踊ったりしてはいけない。

 

○拍手のタイミング-交響曲、協奏曲、ソナタなどの作品の場合、「楽章」といって、ひとつの楽曲が複数の部分に分かれている。楽章と楽章の間では、演奏が完全に区切れるが、ひとつの楽曲の演奏が完了したわけではないので、拍手はしない。おそらくクラシック演奏会初心者が一番とまどうのはこれだろう。

他の人にさきがけて拍手をする必要はまったくないので、大多数の人が拍手を始めてからそれに倣って拍手をすればよい。

楽曲の演奏が完了した後でも、あまり拍手を早く始めると音楽の余韻を損ねて他の客の迷惑になることも多い。ひとつの楽曲の演奏が終わり、ホールに響く余韻が完全に消えてから拍手を始めるのが正しい。静かに消えて行くような曲の場合は、拍手も最初は静かに始まるものだ。

 

○休憩時間-たいていの演奏会では、途中で15分から20分間の休憩がある。ずっと席に座っていても窮屈なので、トイレに行ったり、ロビー(ホワイエ)に行ったりしてリラックスしよう。

ホールによってはワインやビールなどを売っている場合もあるが、自分の酒の強さを考えて飲むようにしよう。後半、酔っ払って寝込んだり、いびきをかいたりしては顰蹙ものだ。

 

○すべての楽曲の演奏が終わったら-プログラムの最後の曲が終わった後、「アンコール」といって、プログラムにはない短めの曲を追加で演奏する場合がある。だから、そそくさと席を立って帰ってしまうとアンコールを聞き逃す可能性がある。

プログラムの曲目が長大な作品だった場合は、演奏家も力を出し尽くしているのでアンコールをしないことが多い。仮にアンコールがないとしても、演奏家に対する感謝や労いの気持ちを込めて最後まで拍手をしよう。逆に、演奏家に対して不満の意を表明したいのなら、拍手をせずに席を立って帰るという方法もあるが。

 

○帰るとき-クロークに預け物をしたときは、忘れずに受け取って帰ろう。

2010年4月 4日 (日)

バッハ「マタイ受難曲」鈴木雅明指揮バッハ・コレギウム・ジャパン(2010年4月3日)

彩の国さいたま芸術劇場音楽ホールでの演奏を聴いた。このホールは初めてだったが、客席数が604しかないコンパクトさなので、音がしっかりと響いてとてもよい。興行的には採算が厳しいだろうが。

 

バッハ・コレギウム・ジャパン(BCJ)の演奏は、数年前は抑制と洗練された蒸留水のような演奏というイメージを持っていたが、最近はよりドラマティックな表現をしてきているように感じる。鈴木は、特にイエスに重大なことが起きる場面では、全身を使って演奏者たちから思い切った表現を引き出していた。

 

前半、オーケストラの合奏の精度が普段よりも低いように感じた。前日もオペラシティで「マタイ」を演奏しているので、もしかして疲れが残っていたのか?

 

以下、ソリストの感想。

 

レイチェル・ニコルズ(ソプラノ)は、いつものとおり豊富な声量と美声で、ソリストの中でも抜きん出ていた。BCJの常連として鈴木雅明が重用しているのも納得できる。

 

松井亜希(ソプラノ)は、美声でテクニックもあるが、欧州勢と比べると声量の小ささが気になった。

 

マリアンネ・ベアーテ・キーランド(アルト)は、声量・表現力ともに申し分なかったが、声の質が若干ハスキーな感じで、BCJとの親和性にやや疑問があった。ただし、後半になると透明感を増してきたので、もしかすると声の調子が悪かったのかもしれない。他で聞いたことがないので、判断できない。

 

青木洋也(カウンターテナー)は、日本勢の中では一番安心して聞けた。やや声量は欧州勢よりは少ないが、丁寧な表現で音楽と歌詞のメッセージを伝えようとしていた。

 

クリストフ・ゲンツ(テノール)は、「マタイ受難曲」でほとんど出ずっぱりとなるエヴァンジェリスト役を完璧にこなしていた。フィシャーディースカウを連想するような完璧なテクニックの持ち主で、この大役をいとも簡単に歌いきっていた。声の質も美しい。しかし、フィッシャーディースカウと同様、あまりにも易々と歌いきってしまうので、苦しみとか悲しみがすべてテクニックで処理されてしまうような印象も受けた。

 

水越啓(テノール)は、安定したテクニックで安心感はあった。

 

ドミニク・ヴェルナー(バス)は、豊かな声量と安定したテクニックで、イエスの役を深みを持って歌った。

 

浦野智行(バス)は、やはり欧州勢と比べて声量が劣るのと、音程に安定が感じられなかった。

 

 

バッハ「マタイ受難曲」

Rachel Nicholls(ソプラノ)

Marianne Beate Kielland(アルトⅠ)

Christoph Genz(テノールⅠ/福音史家)

Dominik Wörner(バスⅠ/イエス)

松井亜希(ソプラノ/女中

青木洋也(アルトⅡ/証人Ⅰ)

水越啓(テノールⅡ/証人Ⅱ)

浦野智行(バスⅡ/ユダ/ペテロ/大司祭カヤパ/祭司長Ⅰ/ピラト)

バッハ・コレギウム・ジャパン(合唱&管弦楽)

鈴木雅明(指揮)

 

201043

彩の国さいたま芸術劇場音楽ホール

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